アパレルデザイン
日本発創造的デザインのために

本アパレルデザインのテキストでは、アパレルデザインの従来のテキストに触れられていない日本発創造デザインの考え方について取り上げる。アパレルデザインの基礎知識についてはすでに多くの著作があり、例えば筆者が編集委員として参画した「新アパレル工学事典」にもデザインの章が設けられていて参考として示すことができるが、ここでは既存の内容については重複を避けるために省略している。

1 アパレルとは

アパレル【apparel】衣服、特に既製服のこと。転じて既製服業界・ファッション衣料の製造業者などを指す。

apparel=古期フランス語のapareille(フィットさせる)から、英語の衣服の意味となる。

アパレルの原料の布は平面状のものであり、人体は立体状のもののため、アパレルを身につけるのに、布は立体状に仕立てられる。

アパレルは「見てよく」「着てよく」「感じよく」「艶めかしく」なければならないとしている。アパレルデザインは機能とおしゃれを満たすことが求められる。本テキストでは、「艶めかしさ」がアパレルの価値を高めるものであり、アパレルデザインにおいて本質的なものであるという主張の下にまとめたものである。おしゃれについては、文字の出現前の古代ヤマト言葉の「スキ」(好色)はインドのタミル語が起源となっているという。紀元前の古い言葉である。そしてフランス語のシックもギリシア語源とされているが、もっと古くインドの同じ語源ではないかと想像している。

ヤマト言葉 スキ suk-i(好色)      (タミル語のcuk-iで、性的快楽に耽ること)

フランス語 シックchic(粋、スマート)  (タミル語のcuk-iが語源か?)

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語源的に「たくみ」という言葉も同様に考えられると思う。

ヤマト言葉  タクミ takumi(巧み、工、匠)   (インド・サンスクリット語のtaksanで家を造るなどを意味した)

英語     テクノロジー technology(工業技術の工学)  (英語のテクノロジーの語源はギリシア語のテクネーとされているが、さらにこのテクネーの語源は上記と同じtaksanが語源か?と思う)

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100年前のゲオルグ・ジンメルはモードやおしゃれについても論じているが、その中の「コケットリー」(おしゃれ、媚びを売ること)論説では女は誘惑するものであり、衣服を身にまとうことで、自分を隠すと同時に自分を艶めかしく見せることで男を魅惑するとしている。自分を見せることは男に対して承諾することだが、承諾だけでなしに衣服で隠すことで拒絶もする。ここに「イエス」と「ノー」の使い分けが恋の技法となり、衣服の価値付けとなるわけである。おしゃれは承諾で、衣服は拒否であり、拒否により一層思いを強くさせる。この衣服価値は経済学的価値ではなく、社会学的価値だと言えよう。

ジンメル【Georg Simmel】ドイツの哲学者・社会学者。倫理学・文化哲学・歴史学・美学など多方面にわたって強靱な思索を展開。著「歴史哲学の諸問題」「文化の哲学」「社会学」など。「コケットリー」論は「ジンメル著作集7 文化の哲学」白水社1976年刊参照

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よい服とは、丁寧で手縫いがよく、手間をかけているのがよいと昔はいっていたわけである。しかし、アパレルブランドの価値はそのような視点からは説明できない。ブランド価値は心を込めてという精神的価値と対立するものではないが、ビジネスとしてはブランド価値は経済的価値として捉えるのが普通である。しかし、ブランド価値は本来は無価値の名前の価値であり、従って経済的価値(労働価値や希少価値)ではないとされる(石井淳蔵著「ブランド」岩波新書634 p136)。

このような観点からブランド価値は社会学的価値となるのである。社会的価値とは社会的に衣服のヌードと着衣の関連における男女間の性的アピールが認知されることにより生み出されるものと考えられる。衣服におけるエロチシズムを紳士服でみると、鎧時代のコッドピース(股袋と訳される)が男性の性的象徴で、女性に露骨にエロチシズムをアピールしたという事実がネクタイに引き継がれ、 そのスタイルを完成し、安定した変化のすくない服となっている。(アン・ホランダー著「性とスーツ」中野香織訳 白水社刊 1997P80)。紳士服は流行のないファッション商品(流行のない商品をファッション商品というのだろうか?)といわれる。ファッション商品とは今日では流行があるなしに関わらず広く衣服などの商品を言うようになってしまっている。その意味では紳士服(メンズスーツ)は究極のファッション商品であろう。

婦人服では肌の露出度を増し、今日ではヘアヌードの写真集が次々に出版されているが、改めて衣服による隠蔽がコケティッシュなのか、裸体がエロティックなのか、どちらが社会的に強い要求なのか、どちらの価値が高いのか、考えさせられる。

北山晴一著「ヌードとモードの間」表紙の写真

アパレルデザインの立場では、前者ならば衣服をよりコケティッシュにデザインし、後者ならば限りなく肌を露出するデザインとなり、ベア・ミドリフ(へそ出しルック)やベア・バック(背中がぐっとくれた形)などとなるし、透け透けルックにもなるし、さらには水着姿となる。といってヌードは衣服による隠蔽の拒否がないためにコケットリーでは価値が低下する。社会学的には衣服による隠蔽が人間社会の中の性的アピールの技法として、その価値を高めるものと考えられる。

米国のエリート大学でヌードパーティー流行                 読売夕刊2001-7-17

アメリカの名門エリート大学でヌードパーティーが流行し始めた。大学によって若干名称が異なるようだが、たいていはエキゾチック・エロチック・パーティーと呼ばれている。
学生寮ごとに趣向を凝らして開かれ、スタンフオード大では下半身むき出しの生脚アーチで客の度肝を抜き、男性性器をかたどった噴水を作って話題を呼んだ。工ール大学ではすでに今年は十回開かれているが、全裸に近い仮装ほどポイントが高いと聞かされて、気の弱い新入生は卒倒しそうになる。あのブッシュ大統領令嬢はパーティー参加を冷静にこなしたことで、学内の評判が一段と上がったという。パーティーはイリノイ州、アイオワ州、カリフォルニア州の大学でも頻繁に開かれている。
七〇年代にも、こうしたおふざけパーティーは盛んだったが、当時はエリート男子学生のおたのしみを兼ねた息抜きという色合いが強かった。これに対して今回は女子学生の積極的参加が目立つカジュアルなパーティーとさま変わりしている。
社会学者は、ベトナム反戦など抗議する理由をもたない世代のフラストレーションが背景にあると分析する。政治デモに出かけるほど意識は高くない。さりとて日常生活で有形無形の制約は十分に不愉快に感じている世代にも悩みはあるのだ。
一方、『性革命が変わる』の著者ポーラ・カルメンは「今の若者はセックスに対して従来の世代と比べものにならないほど前向きであり、性にまつわる神秘的なものを徹底的に取りのぞくことに生きがいを感じている」と指摘している。そして女子学生のほうがパーティーに熱心なのは「ハダカになるだけでココロまで解放される気持ちよさを知ってしまった」ためと分析。禁断の園に足を踏み入れたばかりのイブたちの反乱に深い理解を示している。

ベルギーでは2001年7月1日「ヌーディスト海水浴場」をオープンさせたという記事…2001-7-29読売新聞
海に面した小都市ブレーデンが「町おこし」として始めたところ、国内外から観光客が訪れ人気を呼んでいるという。同市の海岸周辺の森林は国の自然保護地域に指定され、カジノや遊園地などの娯楽施設の開発もできず、観光客の減少に身動きが取れないでいたが、4年前、同市助役がヌーディスト海水浴場の構想を打ち上げ、市民の反発もあったが、今年になって市議会の承諾を得て、オープンに漕ぎつけたものである。オープン以来盛況で、利用者は中高年のカップルが中心で、特にドイツ人が多いようだ。砂浜で日光浴する開放感がたまらないという感想。

アメリカ裁判官はケープコッドの芸術家植民地といわれるヌードビーチを閉鎖と裁決  2001-7-23ロイター  
ボストン・グローブ紙は、 州裁判官が、ケープコッドのクールな芸術家植民地プロビンスタウンで、居住者の簡潔に保持されてきた権利を終えて、その小さいヌードビーチを閉鎖しなければならないと裁決したと報じた。

2 デザインとは

(欧米コピー根性からの脱却、創造のために−−今までにないもののデザイン)

デザインの語源はデ・サインで、既存のしるしではないものの意味とされている。元来はクリエーションの意味をもつと考えられる。新デザインが「超流行」とか、さらに「反スタイル」(イッセイ・ミヤケ)、「反流行」(ヨージ・ヤマモト)、「アンチ・ファッション」(コムデギャルソン)や「デ・モード」(ソニア・リキエル)とかの表現で報じられるのも、この本質のためではないか。

それを実証する次のような最新記事を次ぎに引用する。

2000-2001年秋冬パリコレクション トレンドは「クラシック回帰」だが 読売12-3-9(10)

一線画す〃個性派〃たち  「パンク」テーマ  鮮やかな蛍光色  サイズゆったり

創造的な服作りに定評のある2000-2001年秋冬パリコレクションが、このほど閉幕した。先に終了したミラノよりさらにクラシック回帰の傾向が強まる中で、そうしたトレンドに背を向け、独自の服作りを披露したデザイナーの作品が逆に印象に残ったという。

黒の復活、抑えた金色のコートやドレス、そで口や襟元に毛皮やベルベットをあしらって豪華さを演出したスタイル、テーラードスーツに代表されるクラシック回帰のトレンドは、ミラノに続いてパリも覆い尽くした。明るい色道いの服が少ない分、パリの方がよりシックな印象のコレクションになった。このようなトレンドを巧みに取り入れた服を見せたのがイヴ・サンローランやルイ・ヴィトン、そしてシャネル。落ち着いた女性の美しさを強調する服を数多く提案し、好評だった。しかし、今コレクションでむしろ注目を集めたのは、トレンドを気にせず、個性的な服作りにこだわり続けているブランド。例えばコムデギャルソンはここ数シーズン、物音一つしない会場をモデルが通り過ぎるショーを行ってきた。が、今回は一転、会場に大音響のロック音楽が流れる中、反体制的な若者文化の「パンク」をテーマにしたコレクションを行った。本来、靴に使われる硬い人工皮革のジャケットにベルトやチェーンを付け、若々しくハードな印象に徹底してこだわったという。ジュンヤ・ワタナベは極薄のポリエステル地をお菓子のミルフィーユのように幾重にも重ねて細工し、ふんわりしたシルエットのドレスを提案。多くのデザイナーが落ち着いた色を追求した中、蛍光色に代表される鮮やかな色を選んで使った。また、コウジヤマモトはチベットやイヌイットの民族衣装にヒントを得た、ロマンチックなコートやドレスを披露。ベルギー出身の前衛派、マルタン・マルジェラも体形にとらわれないデフォルメしたような大きなサイズのジャケットやデニムのパンツなどを見せた。着こなし次第でだれでも着ることのできる服を提案した。これらのブランドに共通しているのは、流行に無関心を装い、デザイナー個人の関心に応じた服作りを続けていること。こうしたデザイナーの存在が、パリコレを他の都市で開かれるコレクションとはひと味違う、重みのあるものにしている一方で、グッチのトム・フォードがイヴ・サンローランのクリエイティブディレクターに就任するなど、パリでもブランド買収劇がファッション界を揺るがし、デザイナーの創作姿勢だけではファッションを語れない時代になったことも実感した。

デザインをするのに、既存の商品が参考になる。多くの場合、これを真似ることになるが、その真似の対象は3種ある。デザインのソースは一つは国内の現在デザインであり、もう一つは海外のデザインであり、そして3つ目に過去のデザインがある。デザインのコピーは一番手軽なデザインの方法であるが、パクリであり、国内、海外とも著作権の侵害となる。コピーのあくどいビジネスはデザインとともにブランドまで似せて購入者を欺く偽ブランドビジネスとしてこの方は犯罪対象となる。しかし、ブランドは自分のもので、デザインは過去の蓄積の中からコピーするのは、著作権がないので、問題はない。大多数のデザインはこれに属する。つまり、クラシック回帰のトレンドというのも、この流れであろう。

デザインとは、生活に必要な製品を製作するにあたり、その材質・機能・技術および美的造形性などの諸要素と、生産・消費面からの各種の要求を検討・調整する総合的造形計画だという。デザインは既存の印がないこと、すなわち創造して意匠や計画を進めることであり、今までにないもののデザインを意味する。アパレルデザインでは一番手軽な方法は、過去蓄積のコピーであるが、それが身に付くと、創造性のないコピー根性を生む。創造性のある服、人をわくわくさせる服は生まれない。少数のアパレルデザイナーは「デ・ザイン」として世界的に創造を競う。

独創的デザインも市場情報で評価を得たかが検証され、デザインコンセプトも仮説修正されてゆくことが望まれる。

アパレルデザインはその結果が流行ることを目指すものである。

流行らす人とは、スーパーデザイナーとカリスマ店員、広告宣伝とE市場メンバー 

流行らすしるしとは、ブランド(グリッフ、のれん、トレードマーク、銘品、名産、著名人愛用、世界標準)で社会的認知の象徴

流行らすポイントとは、時代の声を採り入れ、時代を先取りして創造し、発信すること。顧客満足度を高めること、環境保全配慮も必要となっていている。

3 アパレルデザインとは

アパレルデザインは次の要素を設定することで成り立つ。

生地と色柄 繊維工学と色彩学の知識修得の要がある。次のようなデザイナーが目立つ。

 ●美術館の学芸員を志したクリスチャン・ラクロワ

 ●美術学校卒業のジョン・ガリアーノ、およびアレキサンー・マックイーン

スタイルとサイズ 人体についての医学的知識 医者を志したジョルジォ・アルマーニ

構造の設定   構造についての建築学知識 建築学を修めたトム・フォード

日本発アパレルデザインは、流行に沿うという受け身でなく、もっと創造的であり、流行を創り出すというのが本当であろう。これが真のアパレル価値アップとなる。たとえば、パリ・モードへの挑戦として、森英恵、高田賢三、三宅一生、川久保玲、山本耀司らのデザインは、80年代には一大勢力に――と次のように報じられたのを思い出すのである。すなわち、日本人デザイナーが世界に向けてデザインの発信に挑戦し始めたのは、六〇年代で、森英恵は六五年にニューヨークで婦人服を発表し、日本の和服用のちりめん、チョウの柄を取り入れたドレスは、「安かろう、悪かろう」の印象が強かった日本製の服のイメージを変え、高級服の世界で認知された画期的な出来事だった。また六八年、パリで起きた五月革命を契機に、一部の富裕層のためのものだったオートクチュールに代わって、より一般向けのプレタポルテが台頭した。

五月革命【ごがつかくめい】

フランスで1968年5月、学生たちの運動を中心にして起こった社会的危機のこと。1960年代後半より、米国のベトナム反戦運動や西ドイツ,イタリアの学生運動と連携してフランスでも学生による活動が行われていた。こうした状況を背景に、1968年3月22日パリ大学ナンテール校の学生が大学の管理強化に反発して校舎の一部を占拠。これが発端となり、5月3日にソルボンヌで集会中の学生と警察が衝突し、5月10日にはカルティエ・ラタンが学生により占拠された。運動は各国の過激派の闘争とも連携し、大学占拠,街頭進出という形をとって地方にも爆発的に拡大し、大学問題、ベトナム反戦から高度資本主義の管理体制を批判する社会変革闘争の様相を帯びた。これに呼応して5月13日労働者のゼネストが行われ、パリは〈解放区〉の様相を呈し、さらにルノー工場などの労働組合では既成の労働運動指導部を超えた工場占拠闘争に発展した。作家・学者など知識人もさまざまに反応した。ド・ゴール大統領は議会解散など事態の沈静化を図ったが、翌1969年4月に11年近く続いた政権の座を去る結果になった。

ドイツでは66年から69年にかけて、保革二大政党の連立政権下で野党不在の状況となり、学生を中心とした議会外反対運動(APO)が燃え広がった。68年はそのピークであった。ドイツでは、社会を変えた68年代世代といわれる。

日本でも同時期、既成の政党イデオロギーによらない、現代社会のあり方に対する根本的な〈異議申立て〉の動きが見られたが、これらを象徴する出来事として,パリの五月革命が後の社会運動や思想に与えた影響は大きい。

パリの五月革命とは…1968年5月、パリのカルティエ・ラタンを中心の学生デモが全国に波及、ゼネストが拡大して下院は解散、パリでヴェトナム和平会議が始まる。6月総選挙でド・ゴール派が圧勝。1969年国民投票に破れてとゴール辞任。1970年、ド・ゴール死亡。
六八年の「五月革命」により、フランスは共和国の父たるド・ゴール将軍(当時の大統領)を葬り去った。一八世紀末のフランス革命が国家という器をひっくり返し、、王制を粉砕したものだとしたら、一九六八年の五月革命は、社会のモラルといういわば国家の腹わたを引きずり出し、ずたずたに引き裂いたものだった。革命というからには、その前後には完全な断絶ががる。五月革命当時、フランスはド・ゴール大統領を頂点に戴く強い父権社会だった。ド・ゴール将軍は、フランスをナチス・ドイツから解放した英雄であり、戦後、大統領の権限を強化し、第五共和制下でフランスの発展を導いた、まさに国家の「父」だった。五月革命は、この「父」に対して「ノン」を突きつけ、この「父」から派生するすべてのシステムと、人々の自由な発想を縛っていた当時の社会モラルを打ち砕こうとした動きだった。もともとの発端は、パリの西部、ナンテールの学生寮をめぐる騒動だった。夜間、女子学生寮に男子が入り込むのはご法度の時代。そんな規制は糞くらえと学生たちが反発して立ち上がった。長いこと抑圧されていた不満がここでもあそこでも爆発し、みるみる全国に波及していったのである。石畳は剥がされ、石塊は高く捻りながら飛んでいった。すべての「父」に向かって。自由を束縛するすべての規範に向けて。世代間の闘争はみるみる政治闘争に発展してゆき、翌年、ド・ゴールは退陣に追い込まれる。そして七〇年代、性の解放が次々と、具体的に実現されてゆくこととなる。この運動が単なる学生運動ではなく、革命と呼ばれる所以はここにある。古いモラル、特にカトリック信仰と結びついた倫理観はここで一度、首を刎ねられたのだ。五月革命から、フランスのいまが始まると言っても決して過言ではないだろう。権威の象徴としての父は敗れ、フェミニズムが台頭した(浅野素女著「フランス家族事情」岩波新書1996年版より)。ファッションデザインの革命もこれに続いたのである。高田賢三を始め日本のデザイナーの活躍も五月革命が契機になった。

ジョン・レノンとオノ・ヨーコの1968年─オノ・ヨーコは語る
1966年、ロンドンの画廊でのジョン・レノンとの出会いは、男と女の出会い以上の意味合いがあった。それはロックとアバンギャルド(前衛芸術)の出会いであり、西洋文化と東洋文化の出会いでもあった。しばらくたって、私たちは前衛的な音楽作品「トゥ・バージンズ」を共同で制作した。二人が新たに出会ったことで、生まれたばかりの子どものように、無垢な気持ちになったという意味をタイトルに込めたのである。68年にこのタイトルで発表したアルバムのジャケットが二人の全裸写真だったことで、世間の注目を集めた。あの時は、しかつめらしくしている社会に二人の無垢な写真を提供し、ユーモラスなショックを与えて、くつろがせたかったのです。二人はお互いの家庭の問題を抱えていたが、それが解決して、69年3月彼が28才、私が36才でした。ベトナム戦争が泥沼化していた時で、世界のマスコミが注目するジョンと私の結婚を、平和のために役立てようと考え、ラブ・アンド・ピースを世界に訴えるための7日間の「ベッドイン」をしたのである。既成の社会に私たちなりのショックを与えるというこのイベントは世界各国に報道され、とても反響を呼んだ。


七〇年にデビューした高田は、日本の野良着をはじめ、インドや中国などの民族服をイメージの源にして、自然で親しみやすい服を相次いで発表した。三宅一生のアジアのイメージや服の着方は、欧州のファッション界に新風を吹き込んだ。彼は「一枚の布」という考え方で、布の方を着る人の体に合わせ、布と体の間に空間をもたせた自由さを持つ服を提案し、高い評価を得ている。川久保玲と山本耀司がパリに登場したのは八○年代。川久保玲や山本耀司は共に、黒を基調にした服が衝撃を与えた。日本人デザイナーは、数での勢いだけでなく、質の面からも、世界のファッションを刺激する一大勢力となっていった。しかし、日本での認知は残念ながら社会的に遅れている。

1998年度の文化功労賞に選ばれた三宅一生(62)は、受賞の理由に「洋服の既成概念を打ち破る斬新な服作りなど精力的な活動」が挙げられた。このような観点で、流行に沿うということは、日本ではめまぐるしく移り変わる流行を取り入れた服を次から次に店頭に並べているが、残念ながら結果として「着たい服がない」という消費者の声となっている。

日本のファッションデザインが八○年代に注目されたのは、美しい肉体を、さらにフリルやレースなどで美しく飾りたてるという西欧の美とは異なり、シンプルな美、余計なものをそぎ落としていく美しさを示したから。型にとらわれない分、素材が重要になったが、日本の衣服産業は優れた素材を生み出す土壌を持っており、その土壌は、素材にこだわる着物の影響によるものとされる。

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デザインに必要な「美的造形」ということが社会的に既成事実として固定すると、モードのデザインはこれを破壊して、「創造的造形」に入れ替える。「美的造形」としてのスタイルを提案したデザイナーが次の発表ではこの美的造形をさらに破壊する。

4 機能とは

(伝統埋没か創造指向か)

ポケット:機能かシルエットか――衣服機能で伝統的にトップにあげられるのは、ポケットである。しかし、紳士服でよいシルエットといっていながら、便利だからと大きなポケットを付けるとか、たくさんのポケットを付けるとかでは、シルエットを壊してしまう。本来は紳士もハンドバッグをもつのがよいシルエットのために必要となり、スタイルを売り物とするなら、機能的というと単にポケットを付けることだという考えは矛盾である。

●「防寒、習慣、快感?」としてニューヨーク発のファッション情報に、次の記事があった。おしゃれなニューヨーカーたちは寒さにも慣れっこになっているせいか、防寒の仕方も人それぞれ。完全防備の毛皮姿からTシャツ1枚という姿まで、千差万別だ。機能の説明に、教科書的に寒ければ防寒で、単純に完全防寒を目指すというのでは、発想が貧しい。人によって快感が異なるわけである。

●中高年も楽しめるおしゃれデザイン 読売12-4-24(23)

資生堂企業文化部ファッションディレクターで日本ユニバーサルファッション協会の今井啓子会長は、次のように述べている。

現状では障害を持つ人やお年寄り用のファッションは余りにも選択肢が少ない。いままでファッション業界やデザイナーたちは、若者にだけ目を向け、若々しくて、細く長いシルエットのみが大切とスーパーモデル用のデザインに血道を上げ、その結果、「ファッションヴィクテム(犠牲者)」を生み、背を高く見せるために厚底靴を履き、これによる骨折や細く見せるため無知なダイエットによる拒食症・過食症の疾病にさえつながる状態を引き起こしているともいえるほどである。20年後には4人に1人が高齢者の時代を迎える日本では、中高年や障害を持つ人々のおしゃれ心の研究を怠り、忘れていることは問題である。同じ9号サイズであっても人間の体は筋肉の生理年齢とともに変化するのであり、根本的な身体の変化を研究しないで、着やすくて、着る人の心を豊かに輝かせる服などは生まれるはずがない。2000年秋・冬パリプレタポルテ・コレクションでは有名ブランドのデザインを担当する前衛的デザイナーのマルタン・マルジェラが高齢モデルを使って楽しいファッションシーンを見せ、また細長いシルエットと正反対のビア樽型の服(小錦服)を発表した。日本はもっと誰にでも着られるおしゃれのためのユニバーサル・デザインの時代となったことを認識すべきである。

着方の改変−福祉衣料

福祉衣料、看護衣料は健常者の着方とは異なった着方が求められる。そこに機能上の衣服と着方の改変が求められることになる。

ユニバーサル衣料開発 「多様なサイズ対応を」 読売12-3-2(11)

通産省の外郭団体である中小企業総合事業団は二日までに、お年寄りや体の不自由な人でも、サイズや体形などを気にせずに手軽におしゃれを楽しめるファッションを提供しようと、「ユニバーサルファッション」産業の振興に向けた調査報告書をまとめた。具体的には、高齢者や体の不自由な人向けの専用衣類を提供するのではなく、いろいろな体形やサイズに対応する商品をそろえることを求めている。さらに、肌が弱い人向けには、保湿効果がある素材を十分に活用した衣服の開発などを具体的に挙げた。店舗内の段差をなくすなどの「バリアフリー化」を進め、高齢者や体の不自由な人をモデルにしたファッションショーを積極的に開くことも提言している。ユニバーサルファッションの定義については、「年齢やサイズ、体形、障害等に関係なくだれもがファッションを楽しめる社会をつくる思想」と位置づけた。

「使いやすさ」に指針 通産省製品設計で70項目 読売12-4-15(11)

通産省は十四日、高齢者や障害者、健常者の別なく利用できる製品を作る「ユニバーサルデザイン」(UD)の普及に向け、製品設計の指針をまとめた。バリアフリーが「障害者らのために障害を除去する」のに対し、UDはさらに一歩進め、製品の設計段階から、年齢や障害などに関係なくだれでも利用しやすいモノ作りを目指す。通産省は関係各業界へのPR活動に乗り出し、アメリカ並みに日本にもUDの浸透を図る方針だ。指針は製品を設計する際にメーカーなどが配慮すべき事項を約七十項目にわたって挙げている。

デザインの新潮流としての「サステナブルデザイン」
ユニバーサルデザインとともにデザインの新潮流として注目されるのは、「サステナブルデザイン」である。「サステナブル」とは「持続できる」という意味の英語で、限られた資源を大切に使えば、豊かな暮らしを将来にわたって続けられる理念を指し、環境への影響の少ない住まい方を提案する「住」のデザインに提案が始まっているが、この理念は当然「衣」のデザインにも適用されるべきである。アパレルデザインの新潮流は、この「サステナブル」の理念がデザインに反映されるようになるということである。

5 おしゃれとは

美しくありたい、相手に見せたい、性的魅力をアピールしたいという願望のために人々はいつの時代も自分を装い、おしゃれを楽しんできた。

中国 3,500年前 漢字出現 「粧」の字

「粧」の原義は、米が白粉で、庄が盛んなの意味から女の白粉できれいに飾ることで化粧のことである。(小学館刊「新選漢和辞典」)

エジプト時代〜ローマ時代のおしやれ

古代エジプトにおける「粧い」は古代の魔除けや呪術、信仰の延長として考えられていた。この頃は男性も女性も共に肌に彩色していて、目のまわりを黒く彩るのが特徴だった。
ローマ時代になると「顔におしろいや紅を塗ることと、香料を使うことが婦人の特権になった」とローマの詩人ガルスが記している。

仏像のおしやれ

二千年以上も前に仏像が作られたが、仏像が作られた当時のおしやれを仏像がしている。イヤリングをしたのは仏像が最初だという。ピアスも1500年以上前に達磨さんがやっていた。ネックレスも腕輪もそうであり、仏像のまねをしてファッションが生まれたということもできる。(玄侑宗久─芥川賞作家の話より)

18世紀ロココ時代 

婦人の世紀といわれた時代でアントワネット流おしゃれであり、曲線を用いた優美で軽快な様式の装飾や建築、工芸などが流行したロココ時代の宮廷文化が最も華やかな時代であった。マリー・アントワネット像に象徴されるように、広い額に細い眉、羽根やリボン、花などをあしらった高く大きな髪型、大きく広がったスカートと胸を大きくあけて胴の細さを誇張したドレスなどはこの時代ならではのスタイルだった。男性たちも絹の上着、レースの胸飾りのついたシャツ、膝までのズボン、カール髪にリボンを飾った華やかな装いにやはり化粧をしていた。

1900年時代 近代的モードの幕開け「レディ・メイド」

1900年にパリで行われた万国博覧会は、近代文化の幕開けとして世界の国々に影響を与えたという。ここには新しいモードを生み出そうという創造の伝統が存在せず、ヨーロッパのクチュリエのモードがただちにコピーされ「レディ・メイド」という既製服(フランスではコンフェクションという)となっていた。

2001年、日本化粧品市場規模
デフレ不況のあおりを受けて、化粧品の日本国内市場規模は、1997年の約1兆5千億円をピークに2000年まで3年連続で減少し、2001年も横ばいに止まった。反面、コンビニでの化粧品の売上高は「年率10%前後成長している」と化粧品大手は語ったと報じられた。

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ヌードか服飾か その社会的価値、魅力の変遷

 

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ミロ‐の‐ヴィーナス(Venus of Milo) 一八二○年、ギリシア領メロス(ミロ)島で発見された大理石のヴィーナス像。古代ギリシア彫刻の傑作とされたが、紀元前四世紀頃の作品を前二世紀頃模刻したものという。

ここには「からだのプロポーション、動的な線、乱れた襞の衣と裸の上半身の計画されたコントラスト」がある。この静けさをたたえた顔の表情からして、天才フィディアスの作品ではないかと過去に推測されたこともある。

 

二千数百年前のギリシヤ文明に特有な新しい特徴は絵画彫刻・劇・科学における人間の写実的表現であった。彫像と花瓶の絵に代表されるギリシヤ芸術は、人間の裸体へ集中されており、もしわれわれが今日のようにそれに慣れていなかったら異様に感じられたことであろう。ギリシアのアテネでは、古代彫刻の男性の凛々しい裸像が目立つ。古代ギリシアの花瓶の絵には、男は裸で、女は薄地をドレープさせて体にまとっている。ギリシア時代の後、ローマ帝国時代となった。そしてローマが没落してキリスト教時代になると、神から授けられた体を大切にするために化粧することが禁止され、女性たちはべールで顔や頭を包むようにして人目にさらすことを避けていた。

 

 

 

 

 

このころ、北方のヨーロッパでは気温も低いので、衣料は欠かせなかったが、そこにキリスト教によりヌードは否定され、人体を衣料により隠すことが求められ、飾ることが美的にみられるようになった。ルネッサンスの時代には中世キリスト教的な束縛から解放され、レオナルド・ダ・ビンチやミケランジェロ、ラファエロなどの当時の芸術家たちが描いた美しい女性たちに象徴される、優しさやアイデンティティーなど外装より内面の美しさが表現されるようになった。

ヨーロッパ・ファッションにおける最初の革新的な進展のきっかけになったのは、何といっても十二世紀後半に発達した鎧である。後々の時代になっても、男性ファッションがさまざまな視点からまっさきに模倣しようとしたのは、実はこの鎧なのである。これに続く男性ファッションは、男性の身体を誇張したり、服に押し込めたり、あるいは飾り立てたり、必要以上に重ね着させたりするもので、しかもいずれの場合も身体表面をそっくり覆ってしまうものではあった。しかし、それぞれのデザインが男性の体型そのものをなぞることをめざした点は変わらないのである。遡って古典時代の武装といえば、理想的な裸体の胴体や腕や脚の一部分の形をたどり、それらをなぞらえた金属の彫刻で筋肉を覆い、他の部分はむき出しのままにしておくというものであったのだが、この時代に新しく発達した鎧は、全くこれとは対照的なスタイルなのである。躍動感あふれる中世の鎧は、男性の五体の明確な美しさに力点が置かれ、それをモダンに創り上げることを目指してデザインされている。多面体の輝きと幾何学的外見の強さの持つ抽象的なイメージも新たに与えられた。この鎧は、実用面での進歩であるとともに、美しさという点から見ても大きな進歩であった。それまでの中世初期の鎧は鎖鎧であり、布と同じように肩に掛けて垂らして着用するのだが、これは市よりも重く、きっと着る人に苦痛を与えたにちがいない。鎖鎧の上には、身分を表示するとともに戦意を高揚するためのカラーのチュニックがまとわれ、さらに鎧から皮膚を守るために鎖鎧の下には分厚いチュニックが着用されていた。しかし、そのような装束では、戦う男の姿がりりしく際だつことは望むべくもなかったと述べている。

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紳士スーツの起源と魅力   

アン・ホランダー著「性とスーツ」白水社刊 P64-65,80

武具の革新は、西洋ファッションにおける本格的なモダニティのはじまりとして画期的であった。男性の身体のあらゆる部位をデザインし直し、それらを新たに創りだした形すなわち、裸体以外の素材を使った立体的なシルエットで、しかもそれが裸体について語ってくれるような形へと作り上げる方法を見せてくれた。古来、男性服は身体にフィットしないことが特徴だったのだが、ここにきてはじめて(12世紀後半)その特徴を失うことになる。それは鎧の出現であり、金属や皮革を体に合わせて立体造形を要するものであった。鎧で股間の防具をコッドピースといった。凛々しい殿方の男性の訴求ともなっていた。

ここで何よりも注目したいのは、この鎧がリネン武具[鎧などの下に着る下着]職人の手による下着を必要としたことである。たちまち、男性ファッションはリネン武具職人の創ったスタイルを真似しはじめた。

男性の性的アピールとしてのコッドピースについて、イラストレーターの長野亮之介は次のように述べている。女性のファッションで、バストやヒップ、あるいは髪や唇という性的なシンボルはおしゃれの重要なポイントだ。それでもズバリ、男のシンボルが男性ファッションのポイントになったことがある。当時アーマー(鎧)の股間の防具であったのが、ズボンの股間につけた袋(股袋と訳される)となり、初めはホンモノを収納する機能があったようだが、次第に詰め物などでミエのシンボルと化した。おおらかな、まさにシャレのようなファッションだったが、やがて道徳的な時代に入って姿を消し、以来、リバイバルの気配はない。

中世の男性下着の話             岸田秀著「性的唯幻論序説」P135 

キリスト教では性交はやむを得ないこととしているが、好ましくないものとしている。中世では夫はシミューズ・カグールという分厚い寝間着を着て、妻と性交した。その寝間着には1箇所だけ穴が開いていて、そこからペニスを出し、妻を妊娠させる。それ以外の接触は一切できない。キリスト教では、性的快楽が嫌悪されていた。

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古典時代のリバイバルを最初に行なった国、イタリアにおいては、このような身体の線の明確な表現は、古典的な男性ヌードの新しい流行で、イタリアン・ルネサンスに登場したのとぴったり呼応しているという。上着の裾が、かつて鮮明に輪郭を描いていた股間を覆い隠すようになると、変わって鮮やかな色彩のネクタイが登場し、地味な基本の上下服に添えられる男根のシンボルとなった。そしてこれは次第に広まって、世界中の指導者層の標準服となった。アパレルの本質にコケットリーがあることを知ることができる。

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フランスのルイ王朝の宮廷ファッションでは、ロココ時代のゴージャスでデコラティブな衣装となったが、フランス革命後はネオ・クラシックの芸術様式が広まり、衣装では簡素、清楚なディレクトワール・ドレスや類似のエンパイアドレスが典型的となり、そのような中で、印象派やバルビゾン派の画家は、衣装を着た貴婦人の姿を美の象徴として描いた。200年前のこの時代は素裸は醜いものとされた。

幕末、日本が開国(最初の通商条約は1855年に署名)し、ジャポニスムがヨーロッパにカルチャーショックを与えることになった。

ジャポニスム【japonisme フランス】日本趣味。浮世絵や着物などでヨーロッバに強烈な影響を与えた。

キリスト教が後退し、封建時代が終わると、ヌードの縛りが解け、女性は肌を現すようになった。この時代になると、フランスのルイ王朝時代のロココは、過剰装飾で俗悪なものとされるようになり、ゴージャスでデコラティブは見捨てられ、服飾美学は過去のものとなった。

20世紀に入って、パリのポール・ポアレ、ココ・シャネル、マドリーヌ・ヴィオネの三人により、西欧の衣服がコルセットやバッスルによる過剰な身体加工と装飾から身体を解放しようとしたとき、直線裁断し、身体との間にゆったりと間(ゆとり)をとったきもののフォルムがモデルとなった。 

1970年代に入って、パリのオートクチュール業界は、ココ・シャネルとバレンシアガ、ニナ・リッチの死でパリのオートクチュール時代が完全に終わったことを意味した。1950年代、第二次大戦後は1万人以上の個人客がクチュリエたちの店で注文服をあつらえていたが、1973年には世界中の個人客は全世界集めてもわずか3000人ほどとなり、1998年には2000人しかいなくなった。

クチュリエの多くは、もはやオートクチュールではほとんど利益を期待できず、それをプレタポルテ、香水やその他関連事業のための「宣伝部門」と認識するようになっていた。つまり、コレクションを発表することによって、クチュリエまたはメゾンの権威とイメージを高め、その名をグリッフ(名前)として、ブランドとして販売活動に利用してゆく経営法がとられるようになった。

1970年代から日本のネオ・ジャポニスムのデザイナーたちが衣服の構造を革命する。

ネオ・ジャポニスム;70年代以降、プレタポルテが本格化したとき、日本の前衛的なデザイナーたち(高田賢三、三宅一生、川久保玲、山本耀司、山本寛斉など)が従来の衣服観を震撼させるような異質の原理(エレガンス、バランス、フィットに対する質素、無装飾、非対称、オーバーサイズ)を持ち込み、西欧の衣服の歴史に深い影響を刻んだ。

反・西洋美意識

川久保玲は『これがきれいなんだろうか』と考え込ませるデザインでありながら、日本の個性として西欧に衝撃を与え、その美意識は、反・西洋美意識ともいうものである。そして色彩もそれまでは固定的に喪服のイメージでしかなかった黒をあえて基調にし、モード界に鮮烈な印象を与えた。「コム・デ・ギャルソン(男の子のように)」ブランドとして発表された婦人服の数々が反・西洋美意識とともに反スタイルにより強い刺激を与え続け、ブランドの評価をいよいよ高めてきた。

反美の色の例として、「カーキ色」がある。これは1850年にイギリス・インド駐屯軍の白い軍服を泥で汚して迷彩としたとき生まれたが、その意味はヒンドゥー語で「汚れた色」ということである。「汚れた色」でもファッションになっているわけである。

パリのヴァンドーム広場にある事務所前に立つ川久保玲さん

2002年 春夏パリコレクション  コム・デ・ギャルソン 川久保 玲さんに聞く

■白の挑戦……クラシックとエスニックの融合
今やパリコレの中心的存在となったコム・デ・ギャルソンのデザイナー、川久保玲さんは、2001年10月7日に自身の2002年春夏コレクションを終えた。1980年代にカラス族と呼ばれる黒い服で注目され、ここ数シーズン、明るい色遣いやギンガムチェック、大胆なグラフィックをプリントした服を提案してきたが、これほど白を取り上げたことはなかった。「黒にもいろいろあるように、白にもいろいろな白がある。白は黒と同じように大切できれいな色。ですから、私にとってWhite is blackでもあるんです」。その言葉通り、白のバリエーションを綿、麻、ナイロン、ポリエステル、そしてスチール製の極細の糸などを見事に使い分けることで表現して見せた。さらに、この白をエスニックな服作りに取り入れたところが、川久保流。「西欧のクラシックな服作りとエスニックな服作りの要素を融合させ、新しい服の表情を見つけだすことが今コレクションのテーマ。民族衣装は派手な柄や色遣いの服が多いですから、それとは正反対の白で服をデザインしてみようとしたんです」。西欧の伝統的なテーラードのジャケットのそでがふわりと広がっていたり、顔を覆い隠すほどのレースの襟が付いたドレスなど、これまでにないエスニックの服が誕生した。しかも、いずれもゆったりしたシルエットで、女性の優しさと同時に、デザインの力強さも感じさせる。パリコレデビューから20年。流行に流されず、現状にも安住しない服作りにかける姿勢は変わらない。 ――パリで

6 インダストリアル・デザイン

インダストリアル‐デザイン【industrial design】家具や食器、機械そして器具など工業製品の諸分野でどのように活用させていくかを課題とし、性能と美しさの両面から工夫されるデザイン。今日では「工業」の枠を超えて広く生産活動と人間の結びつきを考察してのデザインととらえられている。

パリのオートクチュールではデザイナーが芸術に傾斜したり、工業デザインに関心を持ったりしたのであるが、プレタポルテ時代には工業デザインが不可欠となっている。オートクチュールのデザイナーとして、ポール・ポアレの名はシャルル・ウォルトの後に一世を風靡したが、ウォルトとともに芸術指向であった。1970年代には、ピェール・カルダンとディオールをトップとして、インダストリアル・デザイン(工業デザイン)のジャンル(カーインテリアデザイン、陶磁器、ガラス製品、絨毯、テーブルクロス、時計、ミシン、ゴムボート、ベビーカー、カラーフィルム、カーテン、寝具など)に進出した。パリのクチュリエたちは「おしゃれと関係にない製品に手を出すのはクチュリエの権威やイメージを傷つけることになる」として批判的であったが、しかし、ビジネス気のない芸術派は経営困難で消滅した。工業デザイン派では、トイレットペーパーまでブランドを乱用したので、その価値を低下させた。いずれにせよ、アパレル産業として考えるならば、芸術至上主義では経営は成り立たないことが示されている。ビジネスとして進めるには、工業デザインを取り込んで、アパレル生産をすることが大事となる。

7 モチーフとは

 モチーフは表現の動機の意味で、高田賢三、三宅一生、川久保玲、山本耀司などのデザイナーは着物をモチーフにしてデザインを発表しているとも言える。その原点となるのは、大塚末子の着物ファッションショーであると、新井淳一講師は指摘した。また生地がモチーフになることも少なくない。

8 消費者情報

 

アパレルデザインの前には、アパレル商品の並ぶ店頭で「着たい服がない」という消費者の声も聞かれるという業界の現実がある。消費者とアパレル業界のギャップは、消費者情報を業界が採り入れることで埋めなければならない。消費者の不満で技術的分野では品質クレームがあり、法的分野ではPL法に関わる事項として針残りの問題や関連法規で規制されたホルマリン残留などの問題がある。社会的分野では、めまぐるしく移り変わる服の中で、消費者をリードしているのは、欧米ブランドである。パリ、ミラノなどの欧米ブランドに日本の購入者の偏好が見られる。日本ブランドが「洋服(西洋の服)」を作り続ける限り、この偏好は改まりそうもない。しかし、パリやミラノでは、日本人デザイナーがこれまでのモードに挑戦して、服を変えているのであるから、日本社会における洋服という意識の改革が、世界への日本発ブランドの可能性を切り開くのではないかと思われる。

9 モード情報

脱流行(「デ・モード」)

ソニア・リキエルがニットを選んだのは、体の動きを妨げない服をつくりたかったからだ。家事、育児、仕事、恋……。多様な生活場面に最もふさわしい素材だった。74年、彼女の自由な発想が新たに提案される、縫い目を表に出した裏返しファッションだ。地の厚いニットの場合、縫い目が裏にあると肌に当たって着心地が悪い。同様に、より軽くするためにそれまで3-5センチとるのが常識だったヘム(すその折り返し部分)をなくした服をつくりだしたりもした。ポケットが多いのも特徴の一つ。装飾ではなく実用のためで、女性の手は子どもや男性のためにあけておきたいから、という。主婦、母、女として実生活を重ねてきた彼女ならではの発想だろう。それらのポリシーを彼女は「デ・モード」という言葉に集約する。気まぐれな流行や年齢の枠に自分をはめ込むのではなく、一人ひとりの女性が自分自身の内面を表現する着こなしをしてほしいというメッセージだ。

10 スタイルのスケッチ画

ラルフ・ローレンのデザインワークスタイル画が描けないデザイナー

1972年5月、ラルフ・ローレンは初めて婦人服のコレクションを発表した。『NYT(ニューヨークタイムズ)』は、「クラシックのよさが取リ沙汰され、いったい誰がマニッシュなテーラ一ド・スーツを復活させてくれるかが問題だった。結局、テイラードのなんたるかをわきまえているラルフ・ローレンがそれをやってのけた」と書いた。「皆に知っておいてほしいんだが、私は評判がいいうちに婦人物から手をひこうと思う。たしかにショーは成功だったが、これから先どう進めたらいいのか見当もつかないんだ」「僕らは、追われて大急ぎで話しながらデザインを決めていった」と協力者のセザラニ。「ラルフは、スケッチが描けないことにいつも引け目を感じていた。だから僕がかわリにスケッチを描くようになった。コンセプトを発展させるのがラルフの仕事だった」。スケッチを描く人、ドレープを寄せる人、縫製技術者が必要なら、雇えばよかった。

11.アパレルデザインの進め方

アパレルデザインの作業は、商品企画の段階でアイデアが着想され、これにより構想されたイメージをデザイン画に表現し、そのデザイン画に基づいてパターンを起こし、サンブルを作成し、その結果でパターンの修正を行い、その後のサンプル展示会開催における評判などを勘案して手直しを行い、生産のためのデザイン(インダストリアル・デザイン)としてまとめ上げるということである。

実例で知るアパレルデザインの進め方

●ミラノ:カブリエッラ・ペスクッチは、時代をイメージする衣装デザイナーの業務として、まずリサーチから始める。時代考証や布の性質、柄の特徴を調べ、その上でデザインを起こす。

●パリ:クリスチャン・ラクロアのデザイン作業は、朝出杜してここで郵便物などチェックし、1日の計画をたてる。デザインは秘書など限られた人しか入れない秘密の部屋で行われ、電話をかけながら何気なく描いたデッサンがショーに登場したりする。

●東京:森英恵はプレタボルテのコレクションのための「ピン打ち」という修正作業に忙しい様子で、デザインを考えるのは、休日自宅で一人で行っている。コレクションが終わったときは、みんながどう見たかを考えると怖くなると言う。あと1週間あればもっとできたのにと後悔したり、全力を尽くしたのだからと自分に言い聞かせたりと、こんな事の繰り返しで、なかなか寝付かれないと言うことである。ショーが終わってしばらくぼんやりしているが、すぐに今度はこんな服が作りたいと、次々にアイデアがわいてくる。好きなことをしているから、何より楽しいと述べている。

●東京:島田順子のデザイン画は、四、五人のアシスタントとおしゃべりしながら都会的な大人の女性服が描かれてゆく。ある時は部屋の片隅で、ある時は真ん中で、座る位置をコレクションごとに変えてはデザイン画を描いていると、アシスタントが教えてくれた。

●東京澁谷:滝沢直樹の紳士服デザインは、べージュの壁に囲まれた広大な空間が作業場で、型紙に沿って生地を裁断するパターンルームと、ショーに出す服をモデルに着せてシルエットなどを確認するフィッティングルームとに分かれる。1993年にイッセイ・ミヤケのメンズコレクションを受け継ぎ、工業用のビニールフィルムなどを素材として応用したり、機能性を強調した作品を発表して注目される。デザインのヒントは生地の工場を訪問したときなどに生まれることが多いという。

●東京:芦田多恵のデザインは1年間に500点といい、スピードも大切である。若い女性向けの活動的なおしゃれ着「ミス・アシダ」のデザインを担当する芦田さんは、会社に2つの机を持っている。「服を作るのは流れ作業。多くの人がかかわっています。私が計画的にやっていかないと製品化も遅れてしまう。デザイン画を描いている時は電話なんかで中断されたくない。だから、短時間でもここにこもるのです」と話した。

●長崎:浜井弘治のデザインは、余った糸に愛着感じての服作リがべ一スとなり、大量生産の中の一点ものに焦点を当てる。「三年、生地の工場に勤め、三年売り場に立ち、三年流通アパレル業界に勤めれば、デザイナーになれる」と教わったことを実行した。コレクションはかっこよくないといい、人が作ったレールの上を歩きたくないともいっている。

日本人デザイナー創造性に表彰

1998年6月下旬、フィレンツェで99年春夏の製品を集めた紳士服の総合展示会「ピツティ・ウォモ」が開かれた。ファッション誌は、表紙に日の丸を掲げ、穴が開いたりすそがほつれたりした「コムデギャルソン」と「コージヤマモト」の服を「ボロルック」とうたって取り上げた。それまでの西欧の服の伝統的な規則に逆らい、前衛的な発想で服の世界に新しい概念を持ち込んだこの2人の服は、それまで中国と混同され、アジアとひとくくりにされた「日本」をイタリア人に認識させるきっかけとなったと。

アパレルデザインのグリエ一ションは、デザイナーがこれまでのしるしを放棄して、新しいデザインを創造することで実現するわけであるが、それならこのしるしとは具体的に何んなのだろうか。アパレルデザインの構成要素として、アパレルの資材(生地などの種類)、外形、構造などが上げられるが、これらが集められてまとめられる。従って、これらのデータをサインとしてデザインすると、すでにあるものの選択による組み合わせとなり、クリエーションとはいえなくなる。

イッセイ・ミヤケに任された滝沢直樹の紳士服デインでは、彼は「婦人服に比べ、冒険が難しいと言われている紳士服のデザインに風穴を開け、がんじがらめのルールから自由な服を作りたい」といっている。これがデザインの本来であり、アパレルデザインに風穴をあげるには、これまでのサインの壁を突き破ることである。これまでの素材から離れた新しい素材を見いだし、これまでの外形から脱した新しいシルエットを生み出し、これまでの構造から転じた新しい構造とすることである。この論法ではクリエーションはこれまでに積み重ねられたアパレルデザインの要素を既存のしるしとして捨て去り、新しい要素を創り出して行くということである。

12 素材創造と選択

 新素材でない通常素材では、生地自体の特性も縫製での可縫性や仕立て映え、衣服としての諸特性も既知であり、データベースも構築しやすく、生地の選択にリスクは少ない。新素材では、生地業界ではこれまで衣服としての望ましい特性への配慮が足らず、縫製加工でのトラブルが不可避で、生産でのリスクが大きく、縫製工場では涙を流しながら処置に追われた。しかし、通常素材はリスクが少ないが、衣服としての創造性が低く、創造的デザイン性はきわめて限られ、無難で平凡でありきたりに見え、また一過性で持続性が欠ける。創造的アパレルデザインのために生地業界は、素材の特性に衣服としての特性が加えられなければならない。アパレル産業としては、クリエーションのための新素材選択のもたらすリスクを如何に軽減するかが、アパレルビジネスの成功を左右する。素材の面白さだけでデザインするのは、インダストリアル・デザインとはいえない。

CG使い生地開発 肌触りなど数値化 試作品のムダ解消 東レの試作システム

東レは、アパレルメーカーや染色、ソフト会社と共同で、コンピューターグラフィックス(CG)技術を使った合繊生地の試作システムを開発した。CG技術による試作システムは生地の強度や肌触り、風合いなどを数値化してコンピューターで加工し、三次元画像として見ることができるため、試作品作りが大幅に省け、コストが削減できる。東レが開発した試作システムは、定番品を含め約一万点に上る生地の弾力性、光沢、糸の太さなどを数値化したデータベースを作り、生地の強度や肌触り、風合いまでがわかるようにした。このため、繊維メーカーは、季節を先取りしたファッションショーなどを通じて、生産計画を立てている。東レのシステムでは、インターネットを通じて瞬時にアパレルメーカーや染色会社などと意見交換ができるため、開発期間も大きく短縮できるメリツトもあり、すでに、北陸の織物会社など六社間で実証テストを始めている。

●生地展示会としては、フランス・パリのプルミエール・ビジョン、ドイツ・フランクフルトのインター・ストッフ、イタリア・ミラノのイデア・コモ、そしてニットではイタリアのピッティ・イマジネ・フィラティなどが世界的に有名である。生地のコピーをするのでなく、創造するための刺激とするのが日本発クリエーションのベースともなる。

●繊維製品の基礎知識として、例えば、東京都立繊維工業試験場編「繊維技術ハンドブック(アパレル企業のための織物・ニットの基礎知識)」1994 などの図書があるので、ここでは省略する。

高感度素材 (テクノ東京 1994/12月号/No.21)

新素材には新合繊、新世代ウール、ハイブリッド絹、テンセル等各種のものがあるが、いずれも従来の素材にない物性や風合いがあり、様々な新製品が生まれている。

新合繊 第4世代の合繊素材ともいわれ、ポリエステル素材を核に、異収縮混繊糸、微細捲縮複合糸、異型断面糸、超極細糸などが単独、複合化や後加工されて使用されている。ニューシルキー調、薄起毛調、ニュー硫毛調、レーヨン調等に分類され、紳士服、婦人外衣などの高感度な衣料素材になっている。その質感、風合い特性の開発が中心になっていたが、現在は着心地、快適性、取扱い性等の機能を加えた開発がすすめられている。

新世代ウール @サイロスパン、ラップ紡績などの新しい紡績技術によるもの、A化学加工技術によって改質されたものとがあるが、基本となる製造技術は25にもなるといわれている。新世代ウールは本来の毛素材の特性を保持しながら、新しい物性、風合いを付与して、よりイージケア、よりライトウェア、よりソフトな毛製品の製造を可能にしている。

ハイブリッド絹 2デニール前後のまゆ糸を合繊糸(ナイロン)に交絡した素材で、絹の光沢、肌触りに合繊糸の伸縮性が加えられた複合生糸である。

複合素材 そのほかに、再生繊維/合成繊維、再生繊維/半合成繊維、合成繊維/天然繊維等の組合せで、それぞれのもっ特性を生かし相互の欠点を補いあって、質感、外観、機能性等を高めた新複合素材がある。〔資料:新素材アパレル品質事故防止・改善マニュアル〕(都立繊維工葉試験場編織技術部 鈴木慎一 電話(0426)42-2778)

創造的素材

 トップデザイナーは創造的織り生地で東京八王子の「みやしん」、創造的ニット生地で同八王子の「丸八商店」などの生地工場と連携している。

13 構造創造か選択か

 

裏地、芯地、パッドといったテーラード・クロージング(重衣料)には欠くことのできなかった部分を極力省略、あるいはまったく排除して仕立てる「無構造仕立て・非構造仕立て」の服が「アンコンストラクテッド」として出現した。衣服のカジュアル化、イージー・ケアな着こなしの軽くて柔らかい仕立てを好む傾向が一九七〇年代のファッションの主流を占めていたが、八○年代に入るとクチュール風なシルエットの明快な服がカムバック。衿や袖、打合せなど、ディテールだけではなく、服の構造それ自体をアシメトリーに作るモダンさが、一九八一年、日本のデザイナー、コム・デ・ギャルソン、コージ・ヤマモトがパリに進出して以来、世界的に影響を及ぼしている。当然として職人芸としてのテーラード縫製はその呪縛を脱して、エンジニアード縫製へと移行してゆく。

エンジニアード縫製とは;EU縫製とも言われ、ヨーロッバ式新縫製法のことで、従来のティラードの品質で原価が低減するようにエンジニアリング(工学)によりその構造、作り方を変えて、管理技術でムダを省くように見直された縫製のことである。

14 スタイル創造か選択か

 スタイル創造には「反スタイル」の思考が取り上げられる。スタイルにはすでに知られている種類が類型化され、よく整頓されている。しかし、この反スタイルは既成スタイルを選択しないことを意味する。その上、「美的造形」としてのスタイルを提案したデザイナーが次の発表ではこれを破壊する。これを反スタイルというのである。服のスタイルは発表の時、評判が高くても、高ければ高いほど、早く行きわたり、消費されて、魅力を失い、忘れ去られるはかないものである。この現象の中で、一つのスタイルの消滅によりブランドの消滅が連鎖し、こうして消えていったブランドは無数にあるといわれる。反スタイルがアパレルの価値の維持に貢献するのである。既存スタイルについてはアパレルデザイン図書に示されているので省略する。

15 ディテール創造

 無意識のうちに衣服ディテールが選択されてゆく。ディテールも創造の対象である。一度は既成ディテールを選択しないデザインを考えてみることも必要である。既存ディテールについては、アパレルデザイン図書に示されているので省略する。

16 縫製か無縫製か

 日本の技術十イタリアの創造性=無縫製

イタリアの代表的なニットメーカー、マックアダムズの「エニグマ」というブランドは、3枚の薄い編み地が重なったり部分的に離れたりすることで表情や機能を変えていくカーディガンなど、新しいタイプのニット服を提案。3枚を別々に編んで縫いつけるのでなく、コンピュータ制御の編み立て機で一気に編んでしまう。ここで活躍しているのが、日本の工業用ニット編み機メーカー、島精機製作所(和歌山)の無縫製編み立て機である。出来上がりもきれいなニット用の機械は、イタリアのニット業界にも欠かせない存在になっている。大手メーカーのカルロ社も島精機と積極的に共同作業を進めているという。

参考 天衣無縫とは

●(天人の衣服には人工の縫い目などがない意から) 詩歌などに、技巧をこらしたあとがなく、いかにも自然で完美であるさまの形容。また、人柄が天真爛漫でかざりけのないさま。(広辞苑)

天女の着ている衣服は自然の製作ゆえ縫い目がないとの義で、文章の巧みに出来ている譬えに用いる。(原典は霊怪録―詳解漢和辞典より)

●新編故事ことわざ辞典(鈴木棠三著、創拓社刊 1992)によれば、唐代の郭翰(カクカン)という人が夏の夜に庭で寝ていると、織女が天下ってきたが、その衣に縫い目がないので尋ねると、「天衣もと針線(糸と針)のなすにあらざるなり」と答えたという故事で、太平広記―女仙によるとしている。

キリスト教では、天使は天国におり、一番高い序列は四大天使で、もっとも有名なのが、ケルビムとセラフという天使で、ケルビムは洗礼を受けたキューピットことで、セラフは「炎のかたまり」という意味をもち、三組の翼をもっている天使とされる。衣装学的に興味深いのは、セラフはその全面を羽毛で覆われていながら、そこに縫い目が一つもないのである。(バーナード・ルドフスキー著「みっともない人体」p325)

洋の東西を問わず「神の使いの天人の衣には縫い目はない」とのいわれが伝えられているのは興味深い。(天衣に対して人衣は有縫???)

17 海外ヘデザイン発信

 コレクションを開催する都市は今までの六大都市に加え、ソウル、ベルリン、ミュンヘン、リスボンとひろがっている、.一方で創造的ファッションはパリ、ミラノに集中。ニューヨークはリベンジを策し、コレクションの会期を早めたり、活性化を図っているところで、ロンドンもその存在意味を失って低迷中のようだ。現在はデザイナー主導の時代が終わって、コレクションの存在にも再検討がせまられているといわれている。八○年代には、パリでフランス人のJ・P・ゴルチエ、チュニジア人のアズディン・アライヤ、日本人のコージ・ヤマモト、コム・デ・ギャルソンの川久保玲らが前衛的な傾向を作った。パリは依然としてファッションのメッカで、1999年、パリのコレクションには、日本から15メゾン、ミラノからロメオ・ジリなど5メゾン、ロンドンから3メゾン、ウィーンから1メゾンと、外国人デザイナーの発表の場となっている。各国にはどの国にもそれぞれ外来偏愛の性向を持っているので、これをベースとして日本発デザインをかの地でアピールするのに好都合である。そしてさらにインターネットによるデザイン発信を行って、グローバルに展開することができ、デザイン発信に有力なツールとなる。

18 イメージアップ施策

 日本発アパレルデザインが国内に止まらず、海外へ向けて、社会的に魅力的イメージを高め、この結果として国際社会から高い価値付けを獲得するようになることが強く期待される。この意味で日本発ブランドは如何にグローバルに社会的イメージを向上させるかの施策が欠かせないのである。そこでイメージメーキングのパワーアップが求められる。欧米に比べて存在感が薄いといわれる日本のファッション産業を振興させるため、通産省は大掛かりな支援策に乗り出すことになった。世界に通用するデザイナーを育成したり、アパレルメーカー間の競争を促して業界を活性化することなどが柱となっており、これまで業界の保護に重点を置いてきた政策を全面的に転換する内容となっているという。通産省では、こうした現状を改め、日本がファッションの先進国の一つになるためには、生地の産地と、アパレルメーカー、さらにデザイナーの三者が、それぞれに連携し合いながら、技術を磨き、消費者ニーズにあった製品を作り出し、イメージアップにつなげる必要があるとした。こうした動きにも注目すべきである。

19 日本発クリエーション

日本発クリエーションは洋服のコピーではなく、従って洋服を否定し、日本的アイデンティティの上に今までにないを実現することである。

イメージのクジエーション→日本発世界標準デザインによってイメージアップ

 イメージアップには、アメリカのメジャーリーグが人気を呼ぶ中で、草野球などのユニホームにメジャースタイルが増えているという。これはあやかりデザインであるが、クリエーションは世界標準として世界中から認められるようなデザインとするという意図が望まれる。具体的にその糸口と切り口を示すと、クリエーションはすべて考えられる項目の反対、否定によって、これに代わる新しいものを入れ替えることだと言える。

デザインのクリエーション→語義通りの創造(既成の決めのないデザイン)

機能のクリエーション→既成機能の否定・跳躍

美的クリエーション→既成美感の放棄、本質的魅力=コケットリー

バランスのクリエーション→既存バランス感覚に対する反対

スタイルのクリエーション→反スタイル

素材的クリエーション→既存素材の非選択、新素材のクリエーション開発

縫製のクリエーション→既存仕立て法の不採用、新工法の開発

ディテールのクリエーション→既存ディテール非依存

以上のチェック項目で、クリエーションの実現とイメージアップの達成のための自己評価を行うことができ、時代対応を念頭にデザインを進めるのに役立つであろう。

すべて競争の時代だ。香港のデザイナーの活躍が始まっている。くれぐれも香港に後れを取ることがないように日本発デザイン発信を実現すべきだ…。

スタイル発信、模索中  服作りの土壌、若手育つ(香港報告:下)    <2001年6月29日付朝日夕刊>

 欧米や日本のブランド服を作ってきた香港で、20〜30代の地元デザイナーが活躍し始めている。今はまだ東京のストリート・ファッションや欧米の高級ブランドを消費する一方の香港だが、この先、ファッションの発信地に脱皮できるのだろうか。(西田健作)

 金のスパンコールを無数に連ねたチャイナドレスや、細い銀の刺しゅうがひっかき傷のように見える羊の革のボトム。オートクチュールが中心のバーニー・チェン(34)は、若手デザイナーの中でも知られた存在。エレガントなドレスは、香港の女優らの御用達だ。

 「女性は着飾ると本当にうれしそうな顔を見せるから」。93年に自分の店を開いた当時は、ドレスといえば欧米ブランドばかり。テーラーはいてもデザイナーはいなかった。「友人からは『デザイナーとして商売をするのは難しい』と忠告された。香港にはたくさんの服作りの工場があるのに。だから、細部にこだわった服をここで作りつづけていきたいんだ」

 香港は欧米や日本のブランドの一大生産拠点だ。工場自体は工賃の安い中国に移りつつあるが、品質管理部門は依然、香港に残っている。

 シンプルだがフェミニンなディテールが特徴のジョアナ・チュウ・リャオ(33)は、両親が服の工場を経営、有名ブランドの服を作るのを間近で見てきた。「なぜ香港でデザインしないの」。その思いがデザイナーになるきっかけになった。

 初めての直営店「フレアー・バイ・ジョー」は東京・お台場のヴィーナスフォートに開いた。デザイナー兼2人の息子の母親として多忙な日々が続く。「国が違っても、働く女性の心は分かっているつもり」

 地元ファッション雑誌「ZIPマガジン」のウエンディ・ソー編集長は、若手デザイナー台頭の背景を「服作りの技術の高さに加え、インターネットなどの発達で、世界の流行に追いつけるようになったから」と話す。中国返還後の経済悪化で高価な欧米ブランド一辺倒とはいかなくなった事情もあるという。

 96年に自前のブランドを立ち上げたグレース・チョイ(30)は、若い人の洋服への関心が高まりデザイナー志望はここ数年で確実に増えた、と話す。「不景気で家賃が下がったので自分の店も簡単に開けるようになった。けれど、若いデザイナーが、何年も自分のブランドを続ける難しさを知るのはこれから」

 街中のファッションビルでは「東京のストリート」の1坪ショップの間に、小さな香港ブランドの店が点在する。まるで渋谷や原宿の路地裏のような雰囲気だ。この中から明日の香港ファッションを支えるデザイナーが出てくるかもしれない。

20 日本人デザイナー消息

「ハナヱ・モリ」ブランドの栄光に陰りとして、ハナヱ・モリの売り上げ半減となり、森英恵さんのブランドは三井物産などに売却となった。さらに、婦人既製服及び服飾雑貨販売を手がける(株)ハナヱ・モリの関係会社、(株)ヴィヴィド(資本金2億7000万円)は解散後、2001年12月28日に東京地裁へ特別清算を申請し、同日特別清算の開始決定を受けたが、負債93億円という。高くても売れる商品のあり方が変わってきているようである。たとえば、アメリカ自動車大手三社(ビッグスリー)は、それまでの空前の好景気を快走してきたのが一転して、約十年ぶりの消費低迷で大幅な販売減少が予想され、大規模なリストラが迫られ、前途に暗雲がたれ込めている。これまでのビッグスリーが、顧客を引きつける車つくりの基本がおろそかとなり、乗り心地やデザインなどの商品開発が低迷したとして、反省している。こうした反省に立って、「顧客の心を揺り動かす車こそ必要」とし、「夢があるデザイン、現実的な価格」であることを強調しているという。


ハナヱモリ 低迷する日本のブランド象徴 再生法申請「他人事でない」            読売14-6-1(17)
「ハナヱモリ」の民事再生法の適用申請は5月31日行われ、業界にショックが走ったが、海外ブランド攻勢の中、日本のデザイナーブランドが生き残っていくことの難しさを浮き彫りにしたとして、次のように報じた。森英恵さんがデザイナーを務めていた「ハナヱモリ」本店がある東京・表参道には、ここ数年、シャネルやグッチなど欧米高級ブランドの大型店出店ラッシュが続いている。変わりつつある風景はそのまま、日本と欧米ブランドの力の差を見せつける。三井物産と投資ファンド「アクティブ・インベストメント・パートナーズ」が新会社を設立し、商標権を買い取っているため、今後もブランド名は残る。しかし、今回の「ハナヱモリ」の問題が、日本発のブランドの低迷を象徴しているのは確かだとする。同社の場合、バブル期には117億円を売り上げたが、2000年度には87億円。主力は既製服と、チョウなどロゴ入り商品のライセンス(権利の使用許諾)収入だった。その結果、スリッパなど家庭用品(コモディティグッズ)までブランド名があふれ、高級エレガンスを売り物にしていたブランド自体のイメージは薄れた。折角国際的に有名となったのに、デザイナー個人の力や名前頼みのビジネス展開は、同社だけでなく、日本のデザイナーのひ弱な面でもあり、多くの企業の努力がなかなかブランドイメージのアップにつながらない現実となっている。LVMHモエヘネシー・ルイヴィトンやグッチなど巨大グループは、デザイナーの個人商店の色合いが強かったファッションブランドを経営面も含めてビジネスライクに刷新した。特に、ライセンス商品を削減するなどイメージを厳しくコントロールし、立て直しを図った。若手デザイナーの登用、大型店の出店など絶えず新しい話題を発信し、短期間で企業努力を行ってきた。顧客やデザイナー自身が高齢化した日本のブランドは、流行の最先端というイメージが作りにくくなっていることもある。そのデザインがエレガントだということに頼るだけで、感動を欠き、共感を欠き、イメージを欠き、時代の息吹を欠けば、どんな有名な世界的デザイナーでも、その力だけで服が売れる時代ではない。ハナヱモリの破綻は決して他人事ではないとの業界人の声だ。

高田賢三さん─3年ぶりに活動を再開したデザイナー           読売14-8-10(2)

鮮やかな色調の花柄、大胆なエスニック風のデザイン。パリファッション界に日本から新風を吹き込んで約三十年。一九九九年秋にいったん引退を表明したが、このほどデザイナー活動を再開した。その舞台は、大がかりなコレクションではなく、フランスの通信販売誌になる。「多くの人に服を見てもらい、着てもらう可能性が広がる。それに挑戦したくなりました」

八〇年代から九〇年代にかけて、欧米の有名ブランドは次々と巨大な企業グループの傘下に入った。美と個性の追求よりも、「売れる服」優先のファッションビジネス。「ついていけないなあ」という思いが積み重なり、引退を決めた。しかし、油絵を習い、世界各地を旅してのんびり過す中、目にする最新モードは、どれも無個性に映った。「自分が好きな服を作るだけでも、まだ(ファッション界に)居場所があるんじゃないか」と感じた。ただし、きらびやかなショーの世界に戻ろうとは思わなかった。生活と心を豊かにしてくれる服を、手軽に、より多くの人に届けたい─。「以前と同じような素材、テクニックを使っても、価格は五分の一くらい。こういう世界があるんだ、これは面白いなと思いました」

通販の新ブランド名は、「Yume(夢)」。洋服とインテリアを扱う店を二〇〇四年初めに東京とパリに開く準備も始めた。次幕の夢は、早くも輝いて見える。


21 日本発ブランドの確立

 

 ネオ・ジャポニスムは最近、日本のアパレル商品のみならず、日本の食品、インテリア雑貨、おしゃれグッズ、日本レストラン、日本現代アートという具合に、パリのトレンドだといわれるほど、高く認知されている。パリでは日本を憧れ、日本ではパリを憧れる。これは日・仏とも人間の持つ外来偏愛(エキゾテシズム)の性向によるのかもしれない。いずれにせよ、フランス社会の認知の上に、この勢いを活かして、アパレルブランドで世界的に高い認知を獲得するしなければならない。そのためには具体的に、コレクションを中核として、インターネット活用のブランド戦略を練ることである。著名ブランドのクリエーションキーワードは次のようになっている。

ブランド

クリエーションキーワード

キーワードの時点

イブ・サンローラン

新しいスタイル生んだ40年

1998

ニナ・リッチ

デ・モード

1998

フラダ

矛盾するビジネスの共存

1997

マックス・マーラ

斬新で品のある服作り

1997

カルバン・クライン

飾らない洗練されたデザイン

1997

ポロ・ラルフローレン

流行にとらわれない優雅さ

1998

ダナ・キャラン

着る人の生活、巧みに反映

1997

マンダリナ・ダック

バッグ…特許素材ベースに個性的なデザイン

1998

タニノ・クリスチー 

靴…少量生産で守る伝統の品

1998

イッセイ・ミヤケ

反スタイル

1999

コム・デ・ギャルソン

反・西洋美意識

1999

ヨージ・ヤマモト

アンチ・モード

1999

21世紀へ向けて、日本の創造デザインは現状アパレルデザインの抜本的見直しと総点検を行い、クローバルな認知を獲得して、欧米に伍して価値の高い日本発アパレルブランドを確立しなければならない。  

【終わり】

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